Übersicht über die Albumrezensionen: Tom Petty, Arch Enemy und mehr

Jede Woche treffen Dutzende neuer Alben in der Redaktion von Maxazine ein. Viel zu viele, um sie alle anzuhören, geschweige denn zu rezensieren. Eine Rezension jeden Tag bedeutet, dass zu viele Alben zurückbleiben. Und das ist eine Schande. Deshalb veröffentlichen wir heute eine Übersicht der Alben, die in Kurzrezensionen in der Redaktion eintreffen.

Arch Enemy – Blood Dynasty

“Blood Dynasty” ist das zwölfte Studioalbum von Arch Enemy. Nach dem atmosphärischen Start von “Dream Stealer” bricht der Metal (einschließlich der Grunts von Alissa White-Gluz) los. Das plötzliche Ende ist wunderbar straff. “Illuminate the Path” hat einen positiven Text und eine passende, mitreißende Atmosphäre. Die Musik in “Presage” ist unerwartet sehr ruhig, ich erwartete viel mehr, aber es ist ein sehr kurzer Track. “Blood Dynasty” ist nicht besonders optimistisch, aber es ist ein guter, zugänglicher Titelsong, dessen Musikfetzen schnell im Kopf hängen bleiben. Das auf Französisch gesungene “Vivre Libre” ist manchmal fast zärtlich, in anderen Momenten kraftvoll. Dies schafft sowohl einen Kontrast als auch eine Harmonie mit den Grunts. Die Zeit verrinnt wie Sand zwischen den Fingern im melodischen “The Pendulum.” “Blood Dynasty” ist ein Album mit vielen Pluspunkten. Die Mischung zwischen Metal und leichteren Elementen sowie zwischen Rhythmus und Melodie ist gut. Stimmlich hört man sowohl rohe und tiefe Grunts als auch melodischen, grimmigen Gesang. Es gibt viel schönes Gitarrenspiel, aber auch die Rhythmusgruppe ist beeindruckend. Außerdem gibt es genügend Wendungen. Arch Enemy macht (auch nach 30 Jahren) weiterhin gute Alben. (Esther Kessel-Tamerus) (8/10) (Century Media Records)

Steve Allee Big Band – Naptown Sound

Der Klang von Indianapolis: ein ohrenbetäubendes 130 Dezibel der Indy 500, denn viele Menschen werden an dieses berühmte Rennen denken, wenn es um Indianapolis geht. Wir bevorzugen den Klang von Naptown, speziell die Big Band – in diesem Fall den Klang der Steve Allee Big Band, die dem musikalischen Indianapolis einen Gruß entbietet. Denn Naptown, der Spitzname für Indianapolis, ist die Wiege des Rhythm and Blues, mit Leroy Carr und der Indiana Avenue als Ikonen des tiefen Soul und Funk. Musik, die hier zur vollen Blüte kam, unter anderem dank Jazzgrößen, die hier geboren wurden: Wes Montgomery, Freddie Hubbard und JJ Johnson, um nur einige zu nennen. Dieses Album von Steve Allee ist nichts weniger als eine Hommage an diese Größen. Diese Hommage beginnt mit “Full House”, komponiert von Wes Montgomery; es ist der perfekte Einstieg für dieses Album, denn Steve Allee beweist bereits in den ersten Noten, dass er zur Ausnahmekategorie gehört, wenn es um perfekt ausbalancierte Big-Band-Arrangements geht. Gerade das Arrangement mit Soli auf Gitarre und Marimba hebt diese Version auf ein höheres Niveau. Neben dieser Komposition enthält die Platte nur eine weitere Coverversion, und das ist der sehr gedämpfte Abschlusstrack “Zebra II” von Claude Sifferlen, gut gewählt nach Allees eigenen Kompositionen, die hauptsächlich herrlich groovy sind, einer Big Band würdig. Höhepunkt ist das swingenden “Spang a Lang” mit dem charakteristischen Naptown-Funk. Dann öffnet sich der Himmel und die Geister der Indiana-Größen drängen sich um die Öffnung, um so viele Noten wie möglich aufzufangen, die aus einer Trompete kommen, genau wie wir uns am Naptown Sound laben. (Jeroen Mulder) (9/10) (Jazzville Records)

Astropical – Astropical

Als ich dieses Albumcover sah, gab es sofort Interesse daran, welche Art von Musik darauf zu finden sein würde. Es könnte Ambient, Psych oder ein fröhliches Popalbum sein. Es stellte sich heraus, dass es das Debütalbum von Astropical, einer Latin-Band, ist. Mehr noch, es ist eine Supergroup mit Mitgliedern der kolumbianischen Bomba Estéreo und der venezolanischen Rawayana. Zwei Bands mit Namensbekanntheit, besonders in Südamerika. Dennoch müssen wir feststellen, dass es zusammen nicht wirklich funkt. Dazu kommen hier und da einige Augenbrauen-Hoch-Momente. Zum Beispiel scheint “Odro Nivel (Capricornio)” nicht vollständig auf der Platte zu sein, oder jemand hat vergessen, dem Track ein langsames Fade-out zu geben. Für den Rest gibt es nicht wirklich einen herausragenden Track oder Tracks. Es hört sich gut an, aber das Album ist genauso schnell wieder vergessen. Das Albumcover bleibt besser im Gedächtnis, da ist also noch Arbeit zu leisten. In dieser Zusammenarbeit steckt Potenzial. (Rik Moors) (5/10) (Sony Music)

Tom Petty & the Heartbreakers – Heartbreakers Beach Party

Cameron Crowes mythische “Heartbreakers Beach Party” Dokumentation taucht nach vierzig Jahren Verborgenheit wieder auf. Diese Zeitkapsel fängt Tom Petty und seine Heartbreakers während der Entstehung und Promotion von “Long After Dark” ein, ihrer letzten Zusammenarbeit mit Jimmy Iovine. Der Soundtrack bildet eine musikalische Autobiographie, in der Pettys Meisterschaft glänzt – jeder Gitarrenriff ein perfekter Satz, jede Melodie eine Geschichte, die ihren Ursprung in der amerikanischen Seele findet. Seine unverwechselbare Stimme – gleichzeitig sandig und süß – navigiert den Hörer durch eine Landschaft aus Verlangen und rebellischer Hoffnung. Wie Crowes “Almost Famous” für die 70er Jahre, bietet dieser Film ein Fenster in eine prägende Periode der amerikanischen Rockmusik – ein Moment, in dem authentische Stimmen wie die von Petty eine kommerzielle Industrie navigierten, ohne künstlerische Integrität zu verlieren. Diese Veröffentlichung fühlt sich nicht wie Nostalgie an, sondern wie eine lebendige Wiederentdeckung – ein wesentliches Dokument eines Künstlers in seinem Element, einer Band auf ihrem Höhepunkt und einer Ära, die das Beste in der zeitgenössischen amerikanischen Musik hervorbrachte. Als ob man selbst ein Kassettentape gemacht hätte: ‘Tom Petty für im Auto’. Herrlich. (Jan Vranken) (8/10) (UMG)

Anupam Shobhakar – Liquid Reality

Manchmal werden viele Worte benötigt, um ein Album richtig zu beschreiben, und manchmal reicht dies: Steve Vai goes Sarod. Denn das kommt dem am nächsten, was der indisch-amerikanische Gitarrist Anupam Shobhakar uns auf “Liquid Reality” präsentiert. In Bombay wuchs Shobhakar mit Shreddern wie Van Halen, Satriani und Vai auf, aber es war John McLaughlin, der ihn auf den Weg brachte, indische Musik mit den Stilen der vorgenannten Gitarristen zu kombinieren. Die Platten, die McLaughlin mit seiner Fusion-Band Shakti aufnahm, waren eine Offenbarung. Shobhakar, der jetzt in New York lebt, stürzte sich völlig in die Entwicklung eines neuen Stils und tauschte seine Gitarre gegen eine Sarod ein, ein komplexes, bundloses Instrument mit 25 Saiten. Das Problem war, dass Shobhakar entweder Gitarre oder Sarod spielen konnte, beides gleichzeitig war technisch nicht möglich. Die Lösung war ein Doppelhalsinstrument – wie Vais maßgefertigte Doppelhals-Ibanez – in dem Gitarre (mit Bünden) und Sarod (bundlos) kombiniert sind. Auf “Liquid Reality” hört man, wie das klingt: Es erzeugt einen einzigartigen Sound. Angetrieben von einem typisch indischen Rhythmus ist der Opener “Anjaneva” sofort eine Demonstration dieses einzigartigen Instruments und Shobhakars Fingerfertigkeit. Der Höhepunkt des Albums ist “Fallen Leaves”, eine Komposition, in der buchstäblich zwei Welten zusammenkommen. Fusion vom Feinsten. Natürlich ist “Liquid Reality” auch und vor allem eine Hommage an Shakti, mit einer schönen Interpretation von “La Danse Du Bonheur”, einer Komposition von McLaughlin und dem Geiger Shankar vom Album “Handful of Beauty”. So könnten wir dieses Album auch zusammenfassen: eine Handvoll Schönheit. Einzigartige Schönheit auf einem Instrument, von dem es nur eines gibt. (Jeroen Mulder) (9/10) (AGS Recordings)