Hayloft: Arena-Träume in intimen Räumen erschaffen

In einem engen Proberaum, versteckt in Nashvilles Musikviertel, gibt Hayloft ihrem Set vor der anstehenden Tour den letzten Schliff. Das Quartett—David Goodheart an der Gitarre, Andrew Kaiser am Gesang, Paul Owen am Schlagzeug und Emilio Cueto am Bass—bewegt sich mit der geübten Leichtigkeit von Musikern, die ihren Groove gefunden haben. Aber es gibt etwas Besonderes an dieser Band, etwas das sie in Nashvilles übersättigter Musikszene hervorhebt.

‘In Nashville ist Talent überall’, erklärt Kaiser und justiert sein Mikrofonständer. ‘Du kannst die ganze Nacht shredden und es wird niemanden kümmern, außer du machst es unvergesslich.’ Diese Philosophie hat Hayloft dazu gebracht, zu dem zu werden, was viele als einen der aufregendsten neuen Live-Acts betrachten, besonders nach der Veröffentlichung ihres Debütalbums “Tomato/Tomato”.

Die Entstehungsgeschichte der Band liest sich wie ein modernes Musik-Märchen. Goodheart und Kaiser begegneten sich zuerst bei der Arbeit, wo ihre Freundschaft über gemeinsame musikalische Obsessionen aufblühte. ‘Je mehr Zeit wir miteinander verbrachten, desto mehr realisierten wir, wie viele Künstler wir gemeinsam hatten’, erinnern sie sich und zählen Einflüsse auf, die von Everything Everything und Dream Theater bis hin zu Mother Mother und Paramore reichen. Als Owen und Cueto zur Gruppe stießen, brachte jeder seine eigene musikalische DNA in die Mischung ein, aber diese gemeinsamen Grundfavoriten wurden das Fundament von Haylofts charakteristischer Chemie.

Ihr Sound—oft als ‘prog-angrenzender Indie-Rock’ beschrieben—entstand organisch und nicht durch kalkulierte Genre-Vermischung. ‘Wir haben einfach mit den Genres geschrieben, die wir kannten’, erklärt die Band. Sie schöpfen aus Folk und Americana bis hin zu Videospielmusik, Filmscores und Chorarrangements, ihre Musik filtert verschiedene Einflüsse durch ein Engagement für Abenteuer ohne Zugänglichkeit zu opfern. ‘Der Hayloft-Sound wurde zu diesem natürlichen Knotenpunkt zwischen uns allen. Es war nicht konstruiert, es passierte einfach.’

Diese Umarmung eklektischer Einflüsse tragen sie stolz auf den Ärmeln. ‘Wir nennen einen Abschnitt buchstäblich “der MUSE-Teil” oder “der Beatles-Teil”‘, lachen sie. ‘Emilio bringt seine Latin-Jazz-Wurzeln ein, Dav experimentiert mit Montuno-Sektionen, und Pauls einzigartiger Perkussion-Hintergrund infiltriert weiterhin den Sound auf die beste Art. Es ist wirklich aufregend zu hören, wo all diese Dinge kollidieren.’

Als es Zeit war, “Tomato/Tomato” zu erschaffen, widersprach der Ansatz der Band den Industriekonventionen. Anstatt über Singles zu einem Album zu bauen, vollendeten sie zuerst die gesamte Platte. ‘Wir hatten das ganze Album fertig, bevor wir Singles auswählten’, erklären sie. ‘Es ging mehr darum zu fragen, “Welche Songs repräsentieren uns am besten und sind gleichzeitig am zugänglichsten?” Singles sollen Leute anziehen, dann lässt das Album einen tiefer eintauchen.’

Unter den Tracks ist ‘”Adjusted” lustig, weil es die normale Struktur umdreht’, bemerken sie mit offensichtlichem Stolz. ‘Unsere Strophen tragen mehr Energie als die Refrains.’ Aber ‘”No Wonder”‘ hat besondere Bedeutung—ein Song, der fast nicht auf die Platte gekommen wäre. ‘Es wurde zu dieser wilden Mischung aus Beatles-inspirierten Sektionen, schleichenden chromatischen Refrains und einem theatralischen Outro mit Tonartenwechseln. Der hätte fast nicht auf das Album gehört, aber als es klickte, klickte es richtig. Jetzt ist es ein Fan-Favorit.’

Der spielerische Titel des Albums entstand aus einem ebenso spontanen Moment. ‘Die Geschichte entstand, als wir Chips und Salsa unter der Tätowierung eines Kellners aßen, die ins Englische übersetzt “Live” hieß. War es “to live” oder “alive”? Wir lachten und sagten, “Tomato/Tomato.” Dann schauten wir uns alle an und wussten es. Das ist es.’ Der Titel reflektiert die Bandphilosophie: ‘Es ist spielerisch, aber auch interpretativ. Du kannst es aussprechen wie du willst, genau wie du das Album erleben kannst wie du willst.’

Wo sich Hayloft wirklich auszeichnet, sind ihre Live-Auftritte, die sie als ‘Arena-Erlebnisse in kleinen Venues’ beschreiben. Dieses Konzept entstand nicht allein aus Ego oder Ehrgeiz, sondern aus einem tieferen Verständnis dessen, was Live-Musik unvergesslich macht. ‘Es geht alles um Geschichtenerzählen’, erklären sie. ‘Wir wollten ein Set bauen, das wie eine Geschichte fließt, mit Spannung und Auflösung.’

Diese Vision führte sie dazu, in 6-Fuß-LED-Bildschirme, Live-Visuals und immersive Storytelling-Elemente zu investieren, die intime Club-Shows in etwas viel Größeres verwandeln. ‘Manchmal schleicht sich sogar Pikachu während unserer Videospiel-Covers ein’, lachen sie und offenbaren die spielerische Seite ihrer theatralischen Ambitionen.

Ihre Produktionswerte haben sich dramatisch von bescheidenen Anfängen entwickelt. ‘Wir begannen mit nur unseren Instrumenten und Ableton. Jetzt haben wir Bildschirme, und Lichter sind wahrscheinlich das Nächste. Wir würden gerne interaktive Technik für Fans hinzufügen, aber die einzige Grenze ist, wie viel Ausrüstung unser Van transportieren kann.’

Die Investition in das Spektakel hat sich in der Publikumsverbindung ausgezahlt. Während sie bei der Erinnerung lächeln, dass jemand ihnen sagte, ‘Ihr solltet den Leuten sagen, dass ihr wirklich gut seid’, sind es Lobpreisungen von Musikerkollegen, die am tiefsten resonieren. ‘Der bewegendste Moment kam von Courtney Swain von Bent Knee. Selbst während eines Sets, bei dem technische Probleme uns aus der Bahn warfen, lobte sie unsere Leidenschaft und unser Talent auf der Bühne. Das bedeutete uns die Welt.’

Während sie sich auf eine ehrgeizige Tour vorbereiten, die das Southeast Indie Fest mit Stopps in Nashville, Muncie, Chicago und Detroit einschließt, spiegelt ihre Booking-Philosophie die gemeinschaftsgetriebene Natur ihres Wachstums wider. ‘Es ist alles Networking und Freundschaften. Zuko von MoreDopeMusic brachte uns zu SEIF, Midwest-Bands stellten uns Venues vor, und Freunde in Detroit verbanden uns mit ihrer Szene. Es geht alles um Menschen, nicht nur um Orte.’

Ihre Horizonte erstrecken sich weit über den amerikanischen Mittleren Westen hinaus. ‘Fans in Portugal und Italien fragen bereits nach Shows. Europa steht definitiv auf unserem Radar’, verraten sie. Auf die Frage, ihre immersive Show zu internationalen Bühnen zu bringen, ist ihre Antwort sofort: ‘Absolut. Wir würden nichts lieber tun, als diese Aufstellung nach Übersee zu bringen.’

Das Balancieren ihrer Studio-Ambitionen mit Live-Performance-Realitäten erfordert konstante Neukalibrierung. ‘Wir gehen einen schmalen Grat zwischen einem vollen Studio-Sound und der Sicherstellung, dass wir ihn live getreu nachbilden können. Manchmal kämpfen wir, aber wenn wir diese Balance treffen, ist die Energie unglaublich. Ein fünftes Mitglied für Keyboards könnte unser nächster Schritt sein.’

Der kreative Prozess hinter “Tomato/Tomato” war, in ihren Worten, ‘Chaos im besten Sinne’. ‘Jeder warf Ideen herum, was nicht die schnellste Methode war, aber es gab uns ein reiches Ergebnis.’ Seitdem haben sie ihren Ansatz gestrafft: ‘Für neue Songs bringt Kaiser normalerweise frühe Ideen, Texte und Melodien. Dav formt sie mit der “Hayloft-Behandlung”, und dann fügen Emilio und Paul ihre Schichten hinzu. Es ist eine Pipeline, die jeden glänzen lässt.’

Dieser verfeinerte Prozess trägt bereits Früchte. ‘Zwei Post-Album-Songs sind jetzt im Live-Set, und mehrere andere sind nah dran. Diese Songs reflektieren unser Wachstum durch Lineup-Änderungen, behalten aber unsere DNA intakt. Synkopierte Rhythmen, ungewöhnliche Akkordprogressionen, sengende Riffs. Wir wissen nicht, wie wir aufhören sollen zu schreiben, und wir werden es nicht versuchen.’

Wenn sie auf ihre Reise zurückblicken, ‘sticht “No Wonder” heraus’ als Wendepunkt. ‘Es durchlief sechs verschiedene Versionen, bevor wir bei der richtigen landeten. Als wir es taten, fühlte es sich wie ein Durchbruch-Moment an.’

Ihre Verbindung zu den Fans erstreckt sich über die Bühne hinaus durch soziale Medien und Post-Show-Interaktionen. ‘Wir lieben es, Behind-the-Scenes-Momente zu teilen, Songwriting-Clips, alberne Probe-Momente. Es ist das, was wir gerne von anderen Bands sehen, also geben wir das unseren Fans. Und ehrlich, kommt nach den Shows zu uns und redet. Wir sind immer bereit zu plaudern oder Hilfe am Merch-Tisch zu haben.’

Für aufstrebende Künstler, die ihre eigenen Wege navigieren, ist Haylofts Rat erfrischend direkt: ‘Seid ihr selbst, vollständig. Was auch immer eure Ausstrahlung ist, lehnt euch hinein. Und habt keine Angst, euren Schuss zu wagen. Schickt eine DM an diese größere Band oder Venue. Ihr wisst nie, was passieren könnte. Letztes Jahr endete Kaiser damit, mit Leprous zu singen wegen einer DM. Macht es einfach.’

Während unser Gespräch zu Ende geht und die Band sich darauf vorbereitet, ihren Van mit einem beeindruckenden Arsenal an Ausrüstung zu beladen, ist klar, dass Hayloft etwas Besonderes in der aktuellen Indie-Rock-Landschaft repräsentiert. Sie haben es geschafft, sowohl zutiefst persönlich als auch größer als das Leben zu sein, Musik zu schaffen, die Prog-Nerds befriedigt und gleichzeitig für Gelegenheitshörer zugänglich bleibt, und Live-Erlebnisse zu schaffen, die sich massiv anfühlen, unabhängig von der Venue-Größe.

Mit ihrem ehrgeizigen Debütalbum, das kritisches Lob erntet, ihren immersiven Shows, die hingegebene Fans anziehen, und ihrer unerbittlichen Kreativität, die bereits neues Material produziert, scheint Haylofts Flugbahn auf die internationalen Bühnen gerichtet zu sein, von denen sie träumen zu spielen. Während sie ihre Reise von Nashvilles Proberäumen zu potentiell globaler Anerkennung fortsetzen, wird eines überaus klar: ihre Geschichte fängt gerade erst an, und die besten Kapitel könnten noch ungeschrieben sein.