Übersicht über die Albumrezensionen: The Gratefull Death, Sault und mehr

Jede Woche treffen Dutzende neuer Alben in der Redaktion von Maxazine ein. Viel zu viele, um sie alle anzuhören, geschweige denn zu rezensieren. Eine Rezension jeden Tag bedeutet, dass zu viele Alben zurückbleiben. Und das ist eine Schande. Deshalb veröffentlichen wir heute eine Übersicht der Alben, die in Kurzrezensionen in der Redaktion eintreffen.

The Birthday Massacre – Pathways

Der Bandname klingt härter als die Musik, die diese kanadische Formation macht. Bis 2002 hatte die Band einen anderen Namen, Imagica. Inspiriert von einem Fantasy-Roman von Clive Barker. Danach wurde der Name geändert, um Verwechslungen mit einer anderen Gruppe zu vermeiden. Sie verwendeten dafür den Titel eines ihrer Songs und gaben diesem Titel auch einen anderen Namen; können Sie noch folgen? Die Musik vermischt hauptsächlich Darkwave mit Industrial. Das neue Album beginnt mit dem härtesten Stück der gesamten Platte. “Sleep Tonight” hat einen typischen Industrial-Riff und -Sound in der Gitarre; danach übernehmen vor allem Darkwave und elektronischer Rock. Die Ausnahme ist während “Whisper”, wo ironischerweise eine Art Dämon beginnt zu “singen”. Dort wird alles andere als geflüstert. Im Vergleich zu anderen Werken schafft es dieses Album, die Aufmerksamkeit zu halten, und die Band klingt etwas erwachsener. “Pathways” ist eine angenehme Platte für Liebhaber von elektronischem Rock und Darkwave, mit gelegentlich einer Spur mehr Gewalt. (Rik Moors) (7/10) (Metropolis Records)

The Grateful Dead – Never Miss a Sunday Show

Wie eine lange, staubige Straße, die sich durch die amerikanische Seele erstreckt, windet sich “Never Miss A Sunday Show” durch dreißig Jahre Musikgeschichte. Diese Sammlung von 19 Live-Tracks, alle aufgenommen während der legendären Sonntagsauftritte von The Grateful Dead, fühlt sich an wie ein Roadtrip durch das kollektive Gedächtnis von Generationen von Deadheads. Die Sonntagsshows waren immer etwas Besonderes – eine fast religiöse Erfahrung, bei der die Band ihre Grenzen erweiterte. Hier hört man, warum. Die Jams atmen, expandieren und nehmen dich mit an Orte, die du auf keiner Karte finden kannst, aber wo deine Seele sich zu Hause fühlt. Obwohl Jerry Garcia seit drei Jahrzehnten nicht mehr unter uns ist, resonieren diese Aufnahmen mit einer Lebendigkeit, die der Zeit trotzt. Für Veteranen ist es ein Wiedersehen mit alten Freunden; für Neulinge der perfekte Einstieg in eine endlose musikalische Odyssee. Dies ist kein nostalgischer Tribut, sondern ein lebendiges Dokument, das beweist, dass manche Feuer niemals erlöschen. Eine essentielle Ergänzung für jede Sammlung, die die Seele von Amerikas größten musikalischen Reisenden einfängt. (Jan Vranken) (7/10) (Warner Music Group)

Communal Heart – Sean Imboden Large Ensemble

Nur wenigen wird der Name Sean Imboden etwas sagen. Obwohl dieser amerikanische Komponist und Saxophonist seit einigen Jahren an seiner Karriere arbeitet und zwei Solo-Alben veröffentlicht hat, gelingt es ihm vor allem in Europa nur schwer, sich einen Namen zu machen. Und das ist recht seltsam, denn besonders “A Dreamer’s Journey”, das letztes Jahr herauskam, ist zwar nicht weltbewegend, aber definitiv hörenswert. Dieses Album enthält die Kompositionen “Fire Spirit” und “Portal Passage”, die wir auch auf diesem “Communal Heart” finden, mit einem großen Unterschied. Genauer gesagt: Der Unterschied wird durch eine siebzehnköpfige Big Band gemacht. Die Schlussfolgerung ist schnell und gerechtfertigt: Die Big-Band-Versionen sind viel spannender als die Aufführungen auf “A Dreamer’s Journey”. Man kann zwar ein Stück für Saxophon von anderen Blechbläsern spielen lassen, aber damit hat man noch kein Material für eine Big Band. Das erfordert Balance und vor allem ein Gefühl für Timing in den Arrangements. Hören Sie nacheinander “Fire Spirit” auf dem Solo-Album und dann die Version des “large ensemble”. Hören Sie die Lebendigkeit, das Tempo, das das Stück durch das Spiel mit der Dynamik zwischen den verschiedenen Blechblasinstrumenten gewonnen hat. Neben den zwei “älteren” Stücken bekommen wir noch drei neue Tracks, von denen “Certified Organic” mit einer fast orgastischen Energie das Beste ist, was Sean Imboden auf diesem Mini-Album zu bieten hat. Das schmeckt nach mehr als den 37 Minuten, die “Communal Heart” dauert. (Jeroen Mulder) (8/10) (Sean Imboden)

Sault – 10

Wie ein Donnerschlag bei klarem Himmel erscheint die mysteriöse britische Formation Sault erneut am musikalischen Horizont. Ihr neuestes Werk, einfach “10” betitelt, kommt wie wir es mittlerweile von Produzent Inflo gewohnt sind, ohne Ankündigung, ein musikalischer Wanderer, der erscheint, wenn man ihn am wenigsten erwartet. Die Stimme von Cleo Sol, Inflos Lebenspartnerin, schwebt durch die Tracks wie ein einsames Auto über verlassenen Highways – majestätisch, unverkennbar und wie gemacht für diese seelenvollen musikalischen Landschaften. Nach ihrem jüngsten Solo-Ausflug kehrt sie zur Sault-Familie zurück, wo ihre Vocals der perfekte Begleiter für Inflos musikalische Ausblicke sind. Der Eröffnungstrack “T.H.” führt dich sofort zurück in die Glanzzeiten von Prince, eine musikalische Zeitreise in eine Periode, in der Soul und Funk noch handgemacht waren, nicht programmiert. Der Groove ist üppig, wie ein fruchtbares Tal zwischen kargen Hügeln, während die Produktion Inflos legendären Status weiter festigt – als ob der Mann selbst längst weiß, dass sein Name eines Tages in einem Atemzug mit Quincy Jones und George Martin genannt werden wird. Was “10” von früheren Sault-Werken unterscheidet, ist die fast greifbare organische Qualität. Wo elektronische Elemente früher dominierten, hören wir jetzt ein Ensemble lebender Instrumente, die atmen und schwitzen. Es ist, als ob Sault entschieden hätte, dass die digitale Autobahn zu klinisch wurde und die staubigen Nebenwege gewählt hat, wo echte Geschichten entstehen – eine Rückkehr zur Essenz des Soul. Mit diesem neuen Album beweist Sault erneut, dass sie die absolute Spitze der zeitgenössischen Soulmusik repräsentieren. Aber das sagen wir eigentlich bei jedem neuen Sault-Album, oder? Vielleicht ist genau das, was diese musikalischen Nomaden so besonders macht – sie übertreffen sich immer wieder selbst, jedes Mal, wenn wir denken, sie hätten ihren Höhepunkt erreicht. (Anton Dupont) (9/10) (Forever Living Originals)

Charlie Ballantine – East by Midwest

Es muss eine Monsteraufgabe gewesen sein: die Aufnahme von Lennons “Strawberry Fields Forever”. Insgesamt arbeiteten die Beatles mehr als 45 Stunden an den Aufnahmen, in verschiedenen Tempi und sogar Tonarten. Der Track, wie er auf “Sgt. Pepper” landete, ist tatsächlich eine Mischung aus verschiedenen Aufnahmen. Es bedarf einer unermesslichen Portion Mut, diesen Beatles-Klassiker bis auf die Knochen zu entblößen, sodass er nur für Gitarre, Bass und Schlagzeug geeignet ist. Gitarrist Charlie Ballantine wagt sich auf “East by Midwest” daran. Und wie schmerzhaft das Ergebnis ist. Als ob Ballantine etwas beweisen will, dass der Song auch bestehen bleibt, wenn man alle technischen Glanzleistungen des Aufnahmestudios von ’67 wegnimmt. Das tut er nicht. Die Aufführung mit nur dem leicht verzerrten Klang der Gitarre und dem Schlagzeug ist nichts weniger als eine Geißelung. Während Ballantine definitiv ein guter Gitarrist ist: das hören wir bei Tracks wie “Trinkle, Trinkle” und “Modern Bohemien”. Gute Tracks, selbst in der minimalen Besetzung mit nur Bassist Quinn Sternberg und Schlagzeuger Dan Weiss. Aber leider vergreift sich Ballantine an einem weiteren Beatles-Song: “Tomorrow Never Knows”. Das wurde einst auch von Phil Collins gecovert, der dabei nah am Original blieb. Aus gutem Grund. Ballantine wirft die Effektbox gegen seine Gitarre, während Weiss scheinbar nur herumspielt. Das Ergebnis ist, dass der Song aus der Ferne kaum noch zu erkennen ist. Ballantine wird als einer der besten, vielseitigsten Gitarristen im Jazz gelobt. Wir hören das bei “When Will the Blues Leave”. Dennoch: zwei Beatles-Klassiker zu zerstören, ist wirklich unverzeihlich. (Jeroen Mulder) (5/10) (Origin Records)