Focus on David Bowie: The Musical Evolution of a Legend

Die staubigen Bahngleise Südlondons erstrecken sich wie verwitterte Adern über die Vorstadtlandschaft. Sie tragen die gleichen Träume von Flucht, die sie schon seit Generationen tragen. Entlang dieser Gleise fanden zwei der prägendsten künstlerischen Stimmen Bromleys ihren Weg nach draußen. Hanif Kureishi und David Bowie, Jungen aus denselben Straßen, durch ein Jahrzehnt getrennt. Und doch vereint durch ihre Entschlossenheit, die Enge der Vororte in Kunst zu verwandeln.

The Buddha of Suburbia: Kureishis Worte, Bowies Töne

Bromley ist mehr als nur Kulisse in Kureishis semi-autobiografischem Roman „The Buddha of Suburbia” von 1990. Es ist ein Charakter für sich, der Ort, den Protagonist Karim Amir sowohl liebt als auch verlassen möchte. Der Roman mit seinem gemischt anglo-pakistanischen Protagonisten, der durch die Kulturlandschaft des Londons der 70er Jahre navigiert, verschob die Grenzen in der britischen Literatur mit seinem Porträt des Vorstadtlebens.

An einem kalten Wintertag 1993 geschah etwas Besonderes. Kureishi hatte David Bowie während der Promotiontour für „Black Tie White Noise” interviewt. Am Ende ihres Gesprächs erwähnte Kureishi beiläufig, dass er seinen Roman für das BBC-Fernsehen adaptierte. Er fragte, ob sie einige ältere Bowie-Songs wie „Fill Your Heart” verwenden dürften. Bowie nickte. Dann, seinen Mut zusammennehmend, fragte Kureishi, ob der Sänger vielleicht Originalmaterial beisteuern wolle.

Manchmal entstehen die schönsten Dinge aus zufälligen Begegnungen. Nach dem Anschauen einiger Rohaufnahmen war Bowie so bewegt, dass er beschloss, weit mehr zu tun als nur Hintergrundmusik zu liefern. Zusammen mit Multi-Instrumentalist Erdal Kızılçay zog er sich in die Mountain Studios in Montreux zurück. Dort, mit Blick auf den Schweizer See, vollendete er ein ganzes Album in nur sechs Tagen. Es wurde eine Sammlung von Klängen, die er später als ‚Dutzende persönlicher Erinnerungen aus den siebziger Jahren’ beschreiben würde.

Das Ergebnis war ein verborgenes Juwel in Bowies reichem Katalog, „The Buddha of Suburbia”. Trotz des gemeinsamen Titels war es kein Soundtrack, sondern ein künstlerischer Dialog mit Kureishis Roman, als es im November 1993 veröffentlicht wurde. Eine Meditation über das Aufwachsen in den Vororten, die Suche nach kultureller Identität und den Drang, der Enge vorhersehbarer Leben zu entkommen.

Eine spirituelle Verbindung

Der Titelsong bildet eine perfekte Brücke zwischen diesen beiden Vorstadtkünstlern. Bowie verwebt Erinnerungen an seine Jugend in Südlondon mit musikalischen Echos aus seiner eigenen Vergangenheit. Der eine Oktave tiefere Gesangsstil aus seiner Glam-Rock-Periode kehrt zurück, zusammen mit einem Gitarrenfragment, das an „Space Oddity” erinnert, und einer mysteriösen, beschwörenden Wiederholung von ‚Zane, zane, zane, ouvre le chien’, die zuvor in „All The Madmen” erschienen war.

Dieses selbstbewusste Spiel mit Erinnerungen und Identitäten passt nahtlos zu den Themen von Kureishis Roman. Wie die Literaturwissenschaftlerin Claire Allen bemerkt hat, fühlen sich Kureishis Protagonisten zu Figuren wie Prince und Bowie hingezogen, genau weil diese Künstler verkörpern, wonach sie suchen: ‚die Ideologie der Veränderlichkeit in musikalischer und Identitätskreation.’ Bowies Karriere, in der ‚fast jedes Album ihn eine neue Persona annehmen sieht’, zeigt die Möglichkeit der Selbsterfindung.

Die Verbindung zwischen den beiden Künstlern geht tiefer als nur ein gemeinsamer Geburtsort. Kureishis Geschichte eines Jungen, der mit seiner gemischten Herkunft und seinem Platz in der Welt ringt, traf bei Bowie einen Akkord der Wiedererkennung. Das Album, das der Kritiker Julian Marszalek als ‚eine Konsolidierung von Bowies Kräften als Sänger, Songwriter und Produzent’ beschrieb, klingt wie der Klang eines Künstlers, der seine Stimme wiederentdeckt, indem er auf seine eigenen Anfänge zurückblickt.

David Bowie: Eine nie endende Reise

Obwohl das Album kommerziell kaum Einfluss hatte – es erreichte nur Platz 87 in den britischen Charts – wurde es von Kritikern als verborgenes Meisterwerk anerkannt. Bowie selbst nannte es 2003 sein Lieblingsalbum. Die experimentellen Klanglandschaften, die nahtlose Verschmelzung von Pop, Jazz, Ambient und Rock sowie die nostalgische, aber nie sentimentale Atmosphäre zeigen David Bowie in einem seiner persönlichsten Momente.

Die beiden Künstler wurden Freunde, und Jahre später reflektierte Kureishi darüber, was sie verband: ‚Wir wuchsen in einer Zeit auf, in der man eine feste Identität haben musste’, sagte er, ‚Und plötzlich taucht jemand wie Bowie in einem Kleid und hohen Absätzen auf, und du dachtest: “Er kennt mich, er versteht mich, und er wird uns von hier wegbringen.”‘

Die Musik von „The Buddha of Suburbia” klingt wie ein Soundtrack für eine Reise, die nie endet – eine Reise von Bromley zu den Sternen und zurück. In Kureishis Worten und Bowies Tönen finden wir eine Anleitung zum Navigieren zwischen Welten, Kulturen und Identitäten. Ihre Arbeit bietet einen Bauplan für jeden, der sich jemals in den Vororten des Daseins gefangen gefühlt hat, auf der Suche nach einem Ausweg oder einem Weg nach innen.

Dieses unerwartete Kapitel in Bowies Karriere – aus Literatur zu schaffen, statt aus seiner eigenen Persona – zeigt, warum er immer mehr als nur ein Popstar war. Die Art und Weise, wie er Kureishis Geschichte in ein Gewebe aus Klängen und Atmosphären übersetzt, unterstreicht seine literarische Sensibilität und seine Fähigkeit, Quellen aus verschiedenen Kunstformen zu absorbieren und zu transformieren.

Und so beginnt unsere Geschichte von Bowie in Bildern – nicht mit dem Glamour des Superstar-Daseins oder dem Glanz von Filmpremieren, sondern mit einer unerwarteten Zusammenarbeit, die aus einer zufälligen Begegnung zwischen zwei Vorstadtjungen entstand, die entlang der Bahnlinie in eine größere Welt schlüpften.

Space Oddity und die frühen Jahre (1969-1972)

David Bowies musikalische Reise begann lange bevor er international bekannt wurde. Sein Durchbruch kam mit „Space Oddity” im Jahr 1969, einem Lied, das perfekt mit der Apollo-11-Mondlandung zusammenfiel. Der Song erreichte die Top 5 im Vereinigten Königreich und markierte den Beginn von Bowies Faszination für räumliche Themen, Isolation und Entfremdung – Themen, die ihn während seiner gesamten Karriere begleiten sollten.

Obwohl Bowie zu dieser Zeit noch nicht viel in Filmen auftrat, war seine Musik bereits von filmischer Natur. Die erzählerische Struktur von „Space Oddity” und späterer Songs wie „Life on Mars?” schuf Mini-Filmszenen innerhalb der Musik selbst. Diese frühen Songs würden später häufig in Filmen und Fernsehsendungen verwendet werden, um Momente der Entfremdung, Melancholie und Sehnsucht zu unterstreichen.

Ziggy Stardust: Die Geburt einer außerirdischen Rock-Ikone (1972-1973)

Die Erschaffung von Ziggy Stardust im Jahr 1972 bedeutete einen revolutionären Schritt in Bowies Karriere. Dieses androgyne, außerirdische Alter Ego war eine bewusste Konstruktion. Es wurde von verschiedenen Quellen inspiriert, wie dem britischen Sänger Vince Taylor, dem texanischen Musiker Legendary Stardust Cowboy, japanischem Kabuki-Theater und Künstlern wie Iggy Pop und Lou Reed.

Mit Ziggy Stardust definierte Bowie den Archetyp des messianischen Rockstars. Eine Figur, die als eine Art außerirdisches Wesen vor einer bevorstehenden Apokalypse zur Erde kommt, um eine Botschaft der Hoffnung zu bringen. Das Konzept umfasste den Aufstieg des Stars, seinen Erfolg und schließlich seinen Untergang durch sein eigenes Ego und seine Exzesse.

Die filmischen Qualitäten der Ziggy-Stardust-Figur waren unverkennbar. Bowies Auftritt in der BBC-Sendung Top of the Pops im Juli 1972, bei dem er „Starman” aufführte, gilt als ein definierender kultureller Moment, vergleichbar mit dem Auftritt der Beatles in der Ed Sullivan Show 1964.

Diese Ära gipfelte im Konzert im Hammersmith Odeon am 3. Juli 1973. Dort kam die schockierende Ankündigung, dass dies „die letzte Show sein würde, die er je machen würde”. Dieser Moment wurde in D.A. Pennebakers Dokumentarfilm „Ziggy Stardust and the Spiders from Mars” festgehalten. Ein Film, der jahrelang in der Postproduktion blieb, bevor er 1983 veröffentlicht wurde.

Die Berlin-Trilogie: Experimentelle Klänge in einer geteilten Stadt (1976-1979)

Nach seiner Ziggy-Stardust-Periode und einer kurzen Phase als Thin White Duke zog Bowie 1976 nach Berlin. Nach eigenen Angaben, um seiner Drogensucht in Los Angeles zu entkommen und eine neue künstlerische Richtung zu finden. Er beschrieb Berlin als eine ‚Art Zufluchtsort’. Bowie sagte: ‚Berlin hat die seltsame Fähigkeit, dich nur die wichtigen Dinge schreiben zu lassen.’

Die folgenden drei Alben – „Low” (1977), „Heroes” (1977) und „Lodger” (1979) – werden gemeinsam als die ‚Berlin-Trilogie’ bezeichnet. Diese Alben, die in Zusammenarbeit mit Produzent Tony Visconti und Brian Eno entstanden, stellten eine radikale musikalische Kursänderung dar. Sie bewegten sich in Richtung experimenteller, ambient und elektronischer Klänge, inspiriert von deutschen Krautrock-Bands wie Kraftwerk, Neu! und Can.

Obwohl nicht alle drei Alben vollständig in Berlin aufgenommen wurden, fangen sie den Geist der geteilten Stadt und Bowies persönliche Transformation ein. „Low” wurde größtenteils in Frankreich aufgenommen, „Lodger” in der Schweiz und New York. Besonders „Heroes” ist emblematisch für diese Periode geworden. Der Titelsong wurde von Bowies Blick auf die Berliner Mauer aus den Hansa Studios inspiriert.

Die Musik aus dieser Zeit hat bei Filmemachern einen unauslöschlichen Eindruck hinterlassen. Die atmosphärischen, oft instrumentalen Stücke aus „Low” und „Heroes” haben ihren Weg in zahllose Filme gefunden, darunter „Christiane F.” (1981). Der düstere deutsche Film über Drogensucht, in dem David Bowie selbst auftrat und für den er Musik beisteuerte. Der Song „Heroes” ist insbesondere zu einem Favoriten für Filmemacher geworden. Er wurde in Filmen wie „The Perks of Being a Wallflower”, „Moulin Rouge” und in der TV-Serie „Glee” verwendet. Oft, um Momente der Transzendenz und des Durchbruchs zu unterstreichen.

Mainstream-Erfolg und Filmrollen (1980-1986)

Die 1980er Jahre markierten für Bowie eine Zeit größerer kommerzieller Anerkennung. Mit Hits wie „Ashes to Ashes” (1980), „Under Pressure” (Queen, 1981) und „Let’s Dance” (1983) lief es sehr gut. Letzterer, produziert von Nile Rodgers, war ein Erfolg! Seine erste Single, die sowohl im Vereinigten Königreich als auch in den Vereinigten Staaten die Nummer-eins-Position erreichte.

Diese Periode fiel mit Bowies aktivsten Jahren als Schauspieler zusammen. Er trat in „Merry Christmas, Mr. Lawrence” (1983) als Major Jack Celliers auf. Aber er spielte auch die Hauptrolle im Kultfilm „The Hunger” (1983). Auch übernahm er die ikonische Rolle des Jareth, des Koboldkönigs, in Jim Hensons „Labyrinth” (1986).

Seine Dualität als Musiker und Schauspieler erreichte in dieser Zeit einen Höhepunkt, wobei seine Filmpersonas seine musikalischen Personas widerspiegelten. Für „Labyrinth” trug er nicht nur als Schauspieler bei, sondern auch als Musiker, mit fünf Songs, die er für den Film schrieb.

„Let’s Dance” hat seitdem seinen Weg in viele Filmszenen gefunden, darunter ein denkwürdiger Moment in „Top Gun: Maverick” (2022). Dort wurde es verwendet, um die Wiedervereinigung der Charaktere von Tom Cruise und Jennifer Connelly zu unterstreichen.

Spätere Jahre und Vermächtnis (1987-2016)

Während der 90er und 2000er Jahre experimentierte David Bowie weiterhin mit verschiedenen musikalischen Stilen, darunter Industrial und Jungle. Er setzte auch seine Schauspielkarriere fort, mit Rollen als Andy Warhol in „Basquiat” (1996) und Nikola Tesla in Christopher Nolans „The Prestige” (2006).

Sein letztes Album, „Blackstar”, wurde an seinem 69. Geburtstag im Jahr 2016 veröffentlicht, zwei Tage vor seinem Tod. Es wurde von zwei stark filmischen Musikvideos zu den Songs „Blackstar” und „Lazarus” begleitet. Diese Videos mit ihren dunklen, filmischen Erzählungen bewiesen, dass Bowies Fähigkeit, Musik und visuelle Kunst zu verschmelzen, bis zum Ende seines Lebens intakt blieb.

In den Jahren nach Bowies Tod hat seine Musik weiterhin in Filmen und Fernsehen resoniert. Songs wie „Modern Love” in „Frances Ha”, „Cat People (Putting Out Fire)” in „Inglourious Basterds” und „Under Pressure” in „Aftersun”. Sie zeigen, dass Filmemacher weiterhin aus Bowies reichem Katalog schöpfen, um ihren Werken thematische Tiefe zu verleihen.

Das filmische Vermächtnis eines musikalischen Visionärs

David Bowies Einfluss auf Musik und Kino ist unermesslich. So wie das Kino Bowie prägte, prägte David Bowie das Kino. Filmemacher wie Pedro Almodóvar, Wes Anderson, Todd Haynes und Baz Luhrmann haben alle Elemente aus Bowies filmischer Musik entlehnt. Aber auch aus seinem außerirdischen Glamour und seinem furchtlosen kreativen Geist.

David Lynch verwendete Bowies „I’m Deranged” vom Album „Outside” (1995) für die Eröffnungs- und Schlussszenen von „Lost Highway” (1997). Damit integrierte er Bowies Musik in das Gewebe seines rätselhaften Neo-Noir.

Bowies Fähigkeit, sich selbst neu zu erfinden, sowohl musikalisch als auch visuell, machte ihn zu einem Pionier in der Verwendung von Persona und Performance in der Popmusik. Wie er selbst sagte: ‚Was ich mit meinem Ziggy Stardust gemacht habe, war, einen völlig glaubwürdigen, plastischen Rock ‘n’ Roll-Sänger zu verpacken, viel besser als die Monkees es je fabrizieren konnten.’

Indem wir seine Musik als Orientierungspunkte in Filmen und seine eigenen Filmrollen als Reflexionen seiner musikalischen Evolution betrachten, gewinnen wir ein reicheres Verständnis von David Bowies künstlerischer Reise. Vom Kosmonauten Major Tom zum außerirdischen Ziggy Stardust. Aber auch vom entfremdeten Reisenden in Berlin zum Koboldkönig. Bowies Transformationen bilden eine filmische Odyssee, die in der Geschichte der Popmusik ihresgleichen sucht.