Perlen der Popmusik: Die Geschichte hinter a-ha – “Take On Me”

Es gibt Lieder, die man erkennt, bevor der erste Ton verklungen ist. Ein schimmerndes kleines Keyboardriff, das wie ein kleiner Motor anspringt, eine Drum-Machine, die das Tempo unaufhörlich antreibt, und dann diese Stimme, die höher steigt, als man es für möglich gehalten hätte. “Take On Me” gehört zu jener Handvoll Songs, die inzwischen allen zu gehören scheinen. Es wird auf Hochzeiten, in Stadien, unter der Dusche und in Karaoke-Bars von Tokio bis Buenos Aires gesungen.

Was viele Menschen nicht wissen: Dieses Lied war lange Zeit ein Misserfolg. Es wurde aufgenommen, erneut aufgenommen, veröffentlicht, ignoriert, nochmals veröffentlicht und erneut ignoriert. Erst beim dritten Versuch begann die Welt zuzuhören, und zwar mit einem Musikvideo, das anders aussah als alles, was das Fernsehen bis dahin gezeigt hatte. Es ist die Geschichte von drei jungen Männern aus einem Vorort von Oslo, einer Reihe verpasster Gelegenheiten und einer Gruppe von Menschen bei einer Plattenfirma, die sich weigerte aufzugeben. Es ist auch die Geschichte eines Liedes, das vierzig Jahre später immer noch nicht alt klingt.

a-ha

Es beginnt in Manglerud, einem gewöhnlichen Wohnviertel im Südosten Oslos, wo zwei Teenager mit einer Gitarre, einem Keyboard und einem viel zu großen Traum aufwuchsen. Pål Waaktaar und Magne Furuholmen kannten sich seit ihrer Kindheit und spielten gemeinsam in allerlei Schulbands, deren Namen von Monat zu Monat wechselten. Schließlich wurde daraus Bridges, ein Quartett mit einer Vorliebe für psychedelischen Rock der sechziger Jahre. Furuholmen saß an den Tasten und ließ sich vom Orgelspiel von The Doors inspirieren. 1980 erschien das Album “Fakkeltog”, das sogar einige freundliche Kritiken erhielt. Ein Jahr später löste sich die Band dennoch auf.

Für Waaktaar und Furuholmen folgte eine ernüchternde Reise nach London, wo niemand auf zwei norwegische Jungs gewartet hatte. Sie kehrten mit leeren Taschen und einer klareren Vorstellung davon nach Hause zurück, was sie erschaffen wollten. Währenddessen war in einem anderen Teil der Stadt ein Sänger aufgefallen: Morten Harket, ein Theologiestudent aus dem nahe gelegenen Asker mit einer Stimme, die aus einer völlig anderen Welt zu stammen schien. Er hatte in Bluesbands gesungen und beherrschte ein Falsett, für das so mancher Rocksänger töten würde. Im Herbst 1982 baten ihn die beiden, mitzumachen. Die drei stellten fest, dass gerade ihre Unterschiede sie zusammenbrachten. Waaktaar schrieb bittersüße, manchmal recht düstere Lieder. Furuholmen brachte Farbe, Humor und ein Talent für Melodien ein. Harket gab dem Ganzen ein Gesicht und eine Stimme, die man nicht mehr vergaß.

Der Name stammte aus einem Notizbuch von Waaktaar, in dem ein kurzes, leicht auszusprechendes Wort stand, das zudem in jeder Sprache funktionierte. Im Winter 1983 zogen die drei gemeinsam nach London und bezogen eine bescheidene Wohnung, die später wegen ihres heruntergekommenen Zustands beinahe legendär wurde. Es war kalt, und das Geld ging ständig aus. Dennoch begegneten sie Menschen, die an sie glaubten, darunter der Musikunternehmer John Ratcliff und der erfahrene Manager Terry Slater. Ende des Jahres unterschrieben sie einen Vertrag bei Warner. Der Traum war endlich in greifbare Nähe gerückt. Was damals niemand ahnen konnte, war, wie viel Mühe es kosten würde, ihn tatsächlich Wirklichkeit werden zu lassen.

Take On Me

Die Ursprünge des Songs liegen in den Anfängen der Band selbst. Eine frühe Version wurde bereits in den Jahren von Bridges gespielt, als Waaktaar und Furuholmen noch unter einem anderen Titel damit experimentierten. Als Harket die beiden zum ersten Mal spielen hörte, war es genau dieses Stück, das ihn überzeugte. Anschließend wurde das Lied umgeschrieben und erhielt einen neuen Refrain, der später zum berühmtesten Refrain der achtziger Jahre werden sollte. Eine Zeit lang hieß es noch “Lesson One”, bis es seine endgültige Form fand.

Dann beginnt der lange Weg. Die erste Aufnahme, die mit Produzent Tony Mansfield entstand, erschien Ende 1984. Im Heimatland der Band wurde sie zu einem bescheidenen Erfolg, schaffte es aber nicht über die Landesgrenzen hinaus. In Großbritannien verschwand sie spurlos. Die Band und die Plattenfirma beschlossen, es erneut zu versuchen. Produzent Alan Tarney, der für seine klaren, kraftvollen Popproduktionen bekannt war, baute den Song von Grund auf neu auf. Er verlieh ihm mehr Tempo und mehr Glanz. Diese Version erschien im Frühjahr 1985 in Europa und Amerika. Das Ergebnis war noch schmerzhafter als beim ersten Mal: In Großbritannien erreichte sie lediglich Platz 137, den Tiefpunkt in der gesamten Singlegeschichte der Band.

Zu diesem Zeitpunkt hätte eine weniger hartnäckige Plattenfirma die Akte geschlossen. Doch zwei Mitarbeiter von Warner in Amerika, Jeffrey Ayeroff und John Beug, hatten einen Kurzfilm gesehen, den sie nicht mehr vergessen konnten. “Commuter” wurde von den Animatoren Michael Patterson und Candace Reckinger geschaffen und verwendete eine Technik, bei der echte Filmaufnahmen Bild für Bild nachgezeichnet werden, sodass lebende Menschen sich scheinbar in einer gezeichneten Welt bewegen. Regisseur Steve Barron, der sich kurz zuvor bereits mit bahnbrechenden Musikvideos einen Namen gemacht hatte, erhielt den Auftrag, daraus eine Liebesgeschichte zu machen. Eine junge Frau liest in einem Café ein Comicbuch, eine gezeichnete Hand zieht sie hinein, und plötzlich befindet sie sich mitten in der Geschichte, direkt neben einem Sänger, der von Rennfahrern mit Schraubenschlüsseln verfolgt wird. Die Geschichte handelt von der Grenze zwischen zwei Welten und davon, was man aufzugeben bereit ist, um mit jemandem zusammen zu sein.

Die Produktion erforderte monatelange Arbeit eines Zeichnerteams und kostete für damalige Verhältnisse ein Vermögen. Es lohnte sich. Als das neue Video auf MTV lief, ging alles schnell. Das Lied kletterte an die Spitze der amerikanischen Billboard Hot 100 und erreichte im Oktober 1985 Platz eins, zum ersten Mal für eine norwegische Band. Es blieb fast sieben Monate in den Charts. Im Vereinigten Königreich erreichte es Platz zwei und musste sich mehrere Wochen lang allein Jennifer Rushs Ballade “The Power of Love” geschlagen geben. In Deutschland wurde es ein Nummer-eins-Hit, in Frankreich erreichte es Platz zwei, und in zahlreichen anderen Ländern landete es weit oben in den Charts. Schätzungen zufolge wurden weltweit sieben bis neun Millionen Exemplare verkauft. Das Video gewann 1986 sechs MTV Video Music Awards, ein Rekord für diese damals noch junge Preisverleihung, und wurde inzwischen mehr als eine Milliarde Mal angesehen.

Der Song selbst lässt sich nur schwer in eine einzige Kategorie einordnen. Er ist Synthpop, allerdings mit einer rauen, beinahe rockartigen Energie und einer Melodie, die sich nicht von Modetrends bestimmen lässt. 1985 stand er neben einer Generation von Künstlern, die elektronische Klänge in großem Stil aufgriffen. Tears for Fears schufen mit “Everybody Wants to Rule the World” geschliffene, philosophische Popmusik mit einem Hauch von Bedrohung. Duran Duran schickten mit “A View to a Kill” ein Bond-Thema in die Welt, das vor allem Glamour ausstrahlte. Dire Straits zeigten mit “Money for Nothing”, dass auch Computeranimationen auf MTV erfolgreich sein konnten. Madonna verwandelte Popmusik in einen Lebensstil. Inmitten all dieser polierten Selbstsicherheit klang a-ha anders: verletzlicher, gehetzter, beinahe flehend. Der Refrain ist eine Einladung, die wie ein Hilferuf klingt, geschrieben von jemandem, der sich kaum traut, die Worte auszusprechen. Außerdem ist er für seine gesanglichen Schwierigkeiten berüchtigt. Der Sänger beginnt den Refrain tief und muss dann deutlich nach oben steigen, ohne sich die Anstrengung anmerken zu lassen. Nur wenige Popstars könnten es ihm gleichtun.

A1

Es ist nicht verwunderlich, dass ein solches Lied erneut aufgegriffen wurde und dabei manchmal ein ganz anderes Publikum erreichte. Eines der bekanntesten Cover stammt von der Boyband A1, einer Mischung aus britischen und norwegischen Musikern. Die Gruppe wurde 1998 in London zusammengestellt und bestand aus Ben Adams, Mark Read, Paul Marazzi und dem Norweger Christian Ingebrigtsen. Seit ihrem Debüt 1999 erreichten sie mit geschliffenen, melodischen Popsongs und einem sorgfältig gepflegten Image ein beträchtliches Publikum. Für ihr zweites Album suchten sie einen bekannten Song aus den achtziger Jahren, den sie neu interpretieren konnten, etwas, das die Band einer neuen Generation näherbringen würde.

Die Wahl fiel auf “Take On Me”, und sie erwies sich als erfolgreich. Ihre Version erschien im Sommer 2000 und wurde von Graham Stack und Mark Taylor produziert. Der Sound ist moderner und straffer, mit mehr Hall auf dem Gesang und einem Schlagzeugrhythmus, der zur Jahrtausendwende passt. Im September stand das Lied eine Woche lang an der Spitze der britischen Charts und bescherte der Gruppe damit ihre erste Nummer eins. In Norwegen blieb es vierzehn Wochen in den Charts und erreichte ebenfalls Platz eins. Auch in Frankreich, Schweden und Japan schaffte es die Single in die Top Ten. Das Album, auf dem sie erschien, “The A List”, schnitt besser ab als sein Vorgänger. Im Februar 2001 gewann die Gruppe einen Brit Award als bester britischer Newcomer.

Es war eine Zeit, in der viele Klassiker der achtziger Jahre als Hits zurückkehrten, oft in leichteren, stärker geglätteten Versionen. Unter Musikliebhabern gingen die Meinungen darüber auseinander. Für viele junge Hörer war dies ihre erste Begegnung mit dem Lied und damit auch der Weg zum Original.

Andere Bearbeitungen beweisen, dass A1 nicht die Einzigen waren. Eine amerikanische Ska-Punk-Band veröffentlichte Mitte der neunziger Jahre eine hyperaktive Version mit Bläsern und allem Drum und Dran, die später in einer Filmkomödie zu hören war. 2019 nahm die Rockband Weezer das Lied für ein Album mit Coverversionen von Klassikern aus den achtziger und neunziger Jahren auf und erreichte damit eine beachtliche Platzierung in den amerikanischen Albumcharts. Jede Generation scheint ihren eigenen Weg zu finden, das Lied so klingen zu lassen, als gehöre es ihr.

Hunting High and Low

Das Album, auf dem alles zusammenkommt, erschien Ende Oktober 1985 und trägt den Titel “Hunting High and Low”. Für ein Debüt war es bemerkenswert ausgereift. Die Band schrieb fast alle Songs selbst und arbeitete mit mehreren Produzenten, darunter Tarney, Mansfield und Ratcliff. Das ist deutlich zu hören: Manche Stücke glänzen wie ein teurer Autosalon, andere fühlen sich an wie ein nächtlicher Spaziergang durch eine leere Stadt. Waaktaar zeichnet für die meisten Kompositionen verantwortlich. Seine Texte handeln von Sehnsucht, Unsicherheit und der Schwierigkeit, etwas Echtes auszusprechen, und zwar in einer Sprache, die nicht seine Muttersprache war und dadurch etwas Naives und Neues erhielt.

Das Album verkaufte sich verblüffend gut. In Norwegen stieg es direkt auf Platz eins, im Vereinigten Königreich auf Platz zwei und in den Vereinigten Staaten auf Platz fünfzehn ein. Weltweit wurden mehr als acht Millionen Exemplare verkauft, einigen Schätzungen zufolge sogar elf Millionen. In Großbritannien blieb es 1986 noch monatelang in den Charts und gehörte zu den meistverkauften Alben des Jahres. Die amerikanische Musikindustrie nominierte die Band für einen Grammy in der Kategorie Bester neuer Künstler, eine Auszeichnung, die letztlich an jemand anderen ging. Fast alle Hits stammten von diesem Album: Neben dem großen Durchbruch gab es den Titelsong, das düstere “Train of Thought” und eine Reihe weiterer Singles, die jeweils ihr eigenes Publikum fanden.

Was das Album besonders macht, ist seine Bandbreite. Zwischen den schnellen Synthpop-Stücken stehen zurückhaltende, beinahe kammermusikalische Kompositionen mit Klavier und Streichern. Erst wenn man das Album vollständig anhört, versteht man, dass a-ha mehr war als eine Band mit einem unwiderstehlichen Video. Kritiker wollten die Gruppe damals gern als Teenagerhype abtun. Die folgenden Alben bestätigten dieses Urteil nicht.

The Sun Always Shines on T.V.

Wer auf einen gigantischen Hit folgt, steht vor einem Problem: Alles, was danach kommt, wird mit dem Vorgänger verglichen. Für a-ha kam die Antwort im Dezember 1985 mit “The Sun Always Shines on T.V.”, einem Lied, das Waaktaar an einem trüben Tag geschrieben hatte. Es ist langsamer, größer und dramatischer als sein Vorgänger, mit schweren Synthesizern, die beinahe orchestral wirken. Der Text handelt von einem Gefühl der Leere und dem Bildschirm als Fluchtmöglichkeit. Es ist kaum die Art von Lied, mit der man ein Teenagerpublikum erobert, und doch geschah genau das.

Im Vereinigten Königreich und in Irland erreichte es Platz eins, höher als der vorherige Song, und blieb dort mehrere Wochen. In Norwegen, Dänemark und Schweden kam es auf Platz zwei, in Deutschland in die Top Five und in Frankreich in die Top Ten. In den Vereinigten Staaten blieb es auf Platz zwanzig stehen. Das war zugleich das letzte Mal, dass die Band dort die Top Forty erreichte, weshalb viele Amerikaner a-ha bis heute vor allem wegen dieses einen Videos kennen. Im Rest der Welt verlief die Geschichte genau umgekehrt: Der Erfolg wurde immer größer.

Was auf den großen Durchbruch folgte, war kein Märchen, aber eine lange und eigenwillige Karriere. Auf “Hunting High and Low” folgte 1986 das düsterere “Scoundrel Days”. 1987 sang Harket das Titellied eines Bond-Films, “The Living Daylights”, und 1988 erschien “Stay on These Roads”. Ende der achtziger und Anfang der neunziger Jahre wuchsen die Spannungen zwischen den drei Mitgliedern, während ihre Musik reifer und weniger vorhersehbar wurde. Eine Bearbeitung eines alten Songs der Everly Brothers fand auf dem Album von 1990 ihren Weg in die Charts. 1994 gingen die drei getrennte Wege. Harket startete eine Solokarriere, Furuholmen wurde ein gefeierter bildender Künstler und Filmkomponist, und Waaktaar baute sich mit seiner eigenen Gruppe einen eigenständigen Ruf auf.

Nach einem Auftritt bei einer großen Friedenspreisverleihung im Jahr 1998 fanden die drei wieder zusammen. Es folgten neue Alben und ausverkaufte Tourneen. 2009 kündigten sie an, aufzuhören, und 2010 beendeten sie eine lange Abschiedstournee. Doch das Trio war offenbar noch nicht endgültig am Ende. 2015 erschien ein neues Album, gefolgt von einer Welttournee, und 2017 spielten sie ihren alten Hit für ein Fernsehspecial in einer zurückhaltenden akustischen Version. 2021 erschien eine Dokumentation über ihre Karriere.

Vielleicht ist das das Schönste an dieser Geschichte. “Take On Me” entstand in einer Zeit, in der man eine Idee beiseitelegen und später wieder aufgreifen konnte, und statt zu verschwinden, wurde sie stärker. Eine Band veröffentlichte denselben Song dreimal, und beim dritten Mal begann die Welt mitzusingen, mit Zeichenstiften und einem Comicbuch. Es bleibt ein Lied über den Mut, etwas zu erbitten, über Verletzlichkeit, verpackt in eine tanzbare Melodie. Solange Menschen höher singen wollen, als sie können, wird das Lied weiter erklingen.