Übersicht über die Albumrezensionen: Eivør, Bruce Cockburn und mehr

Jede Woche treffen Dutzende neuer Alben in der Redaktion von Maxazine ein. Viel zu viele, um sie alle anzuhören, geschweige denn zu rezensieren. Eine Rezension jeden Tag bedeutet, dass zu viele Alben zurückbleiben. Und das ist eine Schande. Deshalb veröffentlichen wir heute eine Übersicht der Alben, die in Kurzrezensionen in der Redaktion eintreffen.

Rachel Chinouriri – I Think I Spoke Too Soon

Auf ihrer neuen EP macht die britische Sängerin Rachel Chinouriri einen spannenden musikalischen Schritt nach vorn, indem sie vielschichtig geschichteten Pop und elektronische Musik mit eindringlichen persönlichen Themen verbindet. Während ihre früheren Arbeiten noch von organischem Indie geprägt waren, zieht das Tempo hier deutlich an. In herausragenden Stücken wie “One Song Away From Crying” und “All I Ever Asked” setzt sie sich mit Aufrichtigkeit und Heilung auseinander und beweist dabei eine bemerkenswerte stimmliche Kontrolle. Die Produktion bewegt sich gekonnt zwischen rauen Synthesizern und einer kristallklaren Gesangslinie, die niemals im instrumentalen Trubel untergeht. Manchmal grenzt die Direktheit der Texte an allzu deutliche Erklärungen, doch die musikalische Vielschichtigkeit hält das Ganze in einer präzisen Balance. Mit dem raffinierten Abschluss liefert sie zudem einen beeindruckenden Ruhepunkt, der den emotionalen Reichtum des Albums unterstreicht. Mit dieser Veröffentlichung zeigt Chinouriri eine reife künstlerische Entwicklung und legt ein beeindruckendes Zeitdokument vor, das dem Hörer noch lange in Erinnerung bleibt. (Elodie Renard) (8/10) (Parlophone)

Stephen Byth – Growth in Stasis

Wachstum im Stillstand. Das ist die wörtliche Übersetzung des Titels des zweiten Albums des australischen Saxofonisten und Komponisten Stephen Byth. Der Titel ist eine Anspielung auf Wayne Shorter, die Legende, die behauptete, dass gerade Unsicherheit den Raum für Entdeckungen und damit für Wachstum schaffe. Auf diesem Album ist von dieser Unsicherheit, geschweige denn von Stillstand, allerdings wenig zu spüren: Byth präsentiert seinem Publikum einen Querschnitt durch den Jazz, vom Bop des Eröffnungsstücks “Seed of Thought” bis zum filmischen “The Light in Everything”, bei dem die Zusammenarbeit mit dem Pianisten Yessaï Karapetian dem Stück eine wunderbare Dynamik verleiht. Der Höhepunkt ist “Cutting Ties”, eine siebenminütige Komposition, die immer wieder überraschende Wendungen nimmt. Zugleich ist sie eines der komplexeren Stücke, und das sollte man bei diesem Album im Hinterkopf behalten: Es ist keine leichte Kost. Wie bei Shorter dreht sich alles stets um die Melodie, doch die üppigen Arrangements sorgen für eine Vielschichtigkeit, die sich erst nach einigen Hördurchgängen offenbart. Dann entdeckt man allerdings jedes Mal neue Elemente, was “Growth in Stasis” zu einem besonders gelungenen Jazzalbum macht, vielleicht sogar zu einem der besten Alben des Jahres. (Jeroen Mulder) (9/10) (Stephen Byth)

Nieve Ella – How Long Will It Take?

Nieve Ella hat ein großes, chaotisches und ungemein nachvollziehbares Debütalbum geschaffen. “How Long Will It Take?” dreht sich um die Frage, wie lange es dauert, sich zu verändern, und die britische Sängerin beantwortet sie mit voller Kraft. Die Single “Drive” gibt mit kräftigem Bass und selbstbewusst treibenden Drums den Ton an, während “Standing on a Pane of Glass” zeigt, wie tief es gehen kann, wenn man am Boden liegt. “I’m Not Dead” und “Back to Basics” folgen aufeinander und präsentieren eine Sängerin, die ihre Zweifel in Selbstvertrauen verwandelt. Der Titeltrack ist eine weitläufige Ballade, in der sie ihre Stimme wie einen Sturm anschwellen lässt. Produzent Jamie Rendle und Co-Autor Finn Marlow verleihen dem Ganzen mit rauen Gitarren und gelegentlich unerwarteten Instrumenten, etwa in “At Any Cost”, eine große, fast theatralische Wirkung. Nicht alles ist gleichermaßen gewagt, denn “Romance Is a Desert” und “Love:Hate” schlagen einen sichereren Weg ein. Doch diese Künstlerin weiß bereits, wie sie ein Publikum live für sich gewinnt, und diese Stärke ist auch hier zu hören. Ein Debüt, auf das sie stolz sein kann. (Daniel Harris) (8/10) (Artist Theory)

Bruce Cockburn – The Blood of Others

Auf “The Blood of Others” blickt Bruce Cockburn nicht in den Spiegel, sondern in seine Plattensammlung. Sein 39. Album besteht aus fünfzehn Songs anderer Künstler, die er ausgewählt hat, weil sie ihm seit Jahrzehnten im Kopf und in den Fingern sitzen. Produzent Colin Linden hält den Ansatz schlicht: hauptsächlich Cockburn, seine Akustikgitarre und eine raue Stimme. “Wish I Was in Heaven Sitting Down” beginnt als unverzierter Gospelblues, während “Buddy Bolden’s Blues” mit Ragtime-Gitarre und rauem Gesang swingt. “Louis Collins” von Mississippi John Hurt klingt sonnig, obwohl die Geschichte düster bleibt. “That’s All Right, Mama” ist deutlich verlangsamt und erhält eine zusätzliche Gitarrenspur von Linden. Auch Jazz, Folk und Filmklassiker kommen zum Zuge, von “As Time Goes By” über “Four Strong Winds” bis hin zu “Les Feuilles Mortes”, bei dem er auf Französisch singt. Das Gitarrenspiel ist präzise und zurückhaltend, ohne sich jemals in die Länge zu ziehen. Dadurch wirkt das Album intim, fast wie ein Gespräch am Küchentisch. Wer nach Abwechslung bei der Instrumentierung sucht, wird kaum fündig, aber darum geht es auch nicht. Cockburn zeigt, dass eine Interpretation erst dann stimmt, wenn der Musiker jede Note ernst meint. (Cian Murphy) (8/10) (Sunset Boulevard Records)

Eivør – Tungl

Mit “Tungl” veröffentlicht Eivør ihr elftes Album, das erste für Nuclear Blast. Die färöische Sängerin verbindet nordische Tradition mit Elektronik und Trip-Hop und setzt auf eine düstere, filmische Atmosphäre. Sieben der zehn Songs werden auf Färöisch gesungen. Der Opener “Og mánin græt” schöpft aus der Tradition des färöischen Kettentanzes und verbindet sie mit pulsierenden elektronischen Rhythmen. “Healer” und “Verjugarðar” zeigen Dramatik und Synth-Pop, während “Fangað” mit ihrer Schwester Elinborg den Kehlkopfgesang in einen beinahe clubartigen Kontext stellt. “Hinumegin” bildet den Ruhepol, eine langsame Ballade, in der die Elektronik in den Hintergrund tritt und ihrer Stimme den ganzen Raum überlässt. Wer ihre früheren Arbeiten kennt, hört, wie weit sie sich vom Folk ihrer Anfangszeit entfernt hat. Die Produktion ist detailreich und verlangt nach Kopfhörern. Über die Wirkung gehen die Meinungen auseinander. Einige Hörer schätzen die Vielschichtigkeit und den abwechslungsreichen Klang, andere vermissen Tiefe und finden, dass sich die Ideen auf zehn Stücke zu dünn verteilen. Fest steht die Kraft von Eivørs Gesang, der zwischen Flüstern und rituellem Ausdruck wechselt. “Tungl” ist kein Album, das sich sofort erschließt, aber eines, das Vertrauen in den eigenen Weg erkennen lässt. (William Brown) (7/10) (Nuclear Blast)